Aujourd'hui la belle découverte de ce mois d'octobre avec le deuxième opus de Sayem, A City gone mad w/ fever. Autant jouer la carte de la franchise de suite, je ne connaissais pas du tout le toulousain Sayem qui a sorti son premier album Phonogénique en 2007, album nageant entre trip-hop et électronica. Le nouveau projet, accompagné d'une BD signée Artus de Lavilléon, se présente comme la BO d'un film imaginaire en noir et blanc se déroulant dans un milieu urbain hostile, un Sin City à la française disons. Avec Flairs à la co-réalisation, des featuring de qualité ( DSL, Le Prince Miiaou), une voix féminine assez convaincante ( Flavia Eusepi), Sayem a su parfaitement s'entourer pour nous faire voyager le temps de quelques bobines dans un superbe univers cinétique.

       1.Scenario commence justement sur le son magique de la vieille bobine de cinéma, qui se trouve enveloppée de synthés avant que la voix vienne infuser sa dose d'énergie. Un morceau assez percutant en ouverture, on vient de monter dans un bolide et la course nocture risque fort d'être haletante. 2.Glory tears vient tout de suite atténuer cette impression et se faire volontiers plus contemplative avant d'exploser avec ses synthés nu-disco, pour une atmophère aussi glam qu'électro-pop. Ce morceau introduit parfaitement le petit bijou 3.Play fight and win... sunday, morceau singulier qui donne l'impression que les Fuck Buttons auraient volé les consoles 8 bits des Crystal Castles. Tout aussi anxiogène que planant. Crissement de pneus et c'est la rage rock de 4.Monster qui éclate, pour poursuivre le name dropping ça sonne très clairement CSS, époque Cansei de Ser Sexy. Un instrumental de qualité pour faire retomber la pression avec 5.Chasing after a queen avant d'entamer un tryptique de haut vol. Première claque avec 6.436 seconds of happiness qui n'aura jamais aussi bien porté son nom, entre douceur folk au piano portée par le chant de Le Prince Miiaou et synthés aquatiques (ainsi que cris d'enfants) à la Bibio d'Ambivalence Avenue. Deuxième gifle avec le flow de DSL sur 7. Attack of the 50ft man (déjà sur Phonogénique 7.Culture invitait les rappeurs de La Caution, coincidence?), le texte frappe juste au milieu des synthés. Troisième soufflet qui a valeur d'uppercut avec le somptueux 8.A city game, vaste voyage onirique digne des Fuck Buttons. Morceau instrumental désarmant et qui nous fait poser le genou à terre. 9.Girls revient faire un tour sur les plate-bandes de 4.Monster, 10.Good night and good luck offre la grâce de son piano avant de se faire plus électro-pop et 11.The Black Mountain... saturday nous laisse sur une note contemplative, comme si le héros observait le lever du soleil qui va mettre fin à l'âpreté de cette course nocturne.

         Pour faire concis on a envie de demander "A quand le film?" tant cette BO est superbe. Et puis bon si vous venez de voir Drive vous n'en succomberez que plus.

Morceaux préférés:       8.A city game

                                    6. 436 seconds of happiness

                                    7.Attack of the 50ft man

                                   3.Play fight and win... sunday

Note  8   /  10

Sylphe

       Depuis bientôt 4 ans que je me suis lancé dans l'aventure bloguesque et que je suis en immersion totale dans la musique indépendante, je me suis créé un petit panthéon d'artistes intouchables, de virtuoses qui peu à peu prennent la place des premiers coups de coeur que sont les Massive Attack, Archive, Radiohead, Goldfrapp et compagnie. Sans une once de réflexion me viennent naturellement les noms d'Arcade Fire, Get Well Soon, Sigur Ros, Sufjan Stevens et un jeune américain Zach Condon qui m'avait fait succomber en 2006 avec Gulag Orkestar, superbe album de pop orchestrale née dans les Balkans. Beirut fait désormais partie de ces artistes qui nous font voyager dans leur univers si personnel et pour qui il m'est impossible de ne pas attendre les mains moites la sortie des prochains opus. Un The Flying Club Cup de qualité qui soulignait l'amour de Beirut pour la France ( il suffit de réécouter cet hymne d'amour qu'est Nantes), un March of the Zatopec/Holland plus conceptuel et moins convaincant avec son caractère hybride entre électro et rythmiques latines et nous voici aujourd'hui avec The Rip Tide, sorti sur Pompeii Records, le label créé par Zach Condon. Un quatrième opus qui nous replonge dans l'univers de Gulag Orkestar et nous confirme, si besoin était, que Beirut est un des artistes les plus fins du moment.

        Tous les ingrédients du succès sont donc bien présents: une voix entre fragilité et émotion, un sens mélodique incomparable, des cuivres toujours aussi dépaysants, un piano discret, des cordes sensibles. Cependant, ce qui fait la beauté des morceaux de Beirut c'est bien cette perpétuelle impression de simplicité qui prédomine au milieu de la richesse instrumentale. The Rip Tide c'est donc un bref voyage de 9 titres (allez mon seul reproche concernera la petite durée de l'album) quasi-indissociables et exceptionnellement je ne m'attacherai pas à vous esquisser chaque morceau. Je vous conseille juste de savourer les yeux fermés la mélodie imparable et les cuivres de 1.A Candle's fire, les synthés de 2.Santa Fe, la superbe balade qu'est 3.East Harlem, la pop baroque digne de Get Well Soon de 6.The Rip Tide et le dépouillé 8.The Peacock. Non, non je ne peux pas non plus négliger le piano de 4.Goshen, les cordes de 5.Payne's Bay, la rythmique de 7.Vagabond ou l'ascension finale de 9.Port of Call. Avant que je change d'avis et ne résiste pas à la tentation de tout vous dire sur ce The Rip Tide, je m'échappe.

           Beirut fait en tout cas superbement taire les détracteurs de March of Zatopec et signe un album de pop orchestrale de haut niveau. Certains diront sûrement et à juste titre que Zach Condon n'a pris aucun risque et a proposé l'album qui aurait du suivre son Gulag Orkestar, pour le coup j'ai apprécié entendre ce qu'il sait faire le mieux. Pour le futur, il n'est pas impossible que j'attende de Beirut une nouvelle évolution artistique mais là je vais juste me contenter de savourer.

Morceaux préférés: 3.East Harlem

                              1.A Candle's Fire

                              2.Santa Fe

                              6.The Rip Tide

Note     8  .  5    /   10

Sylphe

         Ils sont deux anciens musiciens temporaires de Phoenix et ont décidé en 2005 de créer un groupe au nom peu vendeur de Housse de Racket, ils s'appellent Victor Le Masne et Pierre Leroux et après un premier opus encourageant en 2008 Forty Love (vous avez forcément entendu un paquet de fois le titre Oh Yeah! surtout si vous êtes adeptes de Canal +) ils ont sorti cet été leur deuxième LP Alésia, signé sur Kitsuné et chapeauté par Philippe Zdar en personne. Alors qu'en est-il de la suite des aventures pour nos deux frenchies qui doivent nourrir l'envie folle de suivre le chemin  d'une électro-pop sucrée tracé par Two Door Cinema Club?

           Le duo Housse de Racket se veut en tout cas plus ambitieux et, au risque de surfer trop facilement sur le nom du groupe, ils ont décidé après quelques victoires sur des tournois challenger de s'attaquer aux qualifications de Rolland Garros.Shorts fluos, maillots floqués "Zdar products", ils entrent plutôt détendus sur le court et semblent totalement imperméables à la pression. On les trouve même volontiers convaincants à l'échauffement, les jeunes adolescentes commencent déjà à se pâmer devant ce superbe jeu de jambes. Ils gagnent le toss et choisissent de servir. Leur stratégie est claire: servir fort et faire le point rapidement car si l'échange se prolonge ils savent qu'ils sont courts physiquement. Le premier jeu de service fait déjà taire les mauvaises langues, les balles fusent, ça claque du bon gros smash qui aterrit dans les tribunes où somnolent de gros bourgeois qui ne se sont même pas rendus compte que le match précédent était fini. 1.Human nature, ses synthés et son atmosphère pop, percute en ouverture et 2.Roman, le meilleur titre de l'opus pour moi, est un superbe morceau d'électro-pop décomplexée qui sait néanmoins se faire planante et rappeler Phoenix.

      Premier jeu de service du duo hongro-zimbabwéen opposé aux français. Malgré quelques beaux points- 3.Chateau qui tient encore le rythme-, nos frenchies décadrent certaines frappes et  ça finit dans les bâches - le très poussif 4.Apocalypso au nom malheureusement prémonitoire, créature hybride entre la rythmique de Battles, les percus caraibéennes de Matias Aguayo et le chant de Malajube pour une belle soupe musicale. Mais bon pour l'instant rien de rédhibitoire grâce à la pêche de 5.Chorus, même si Victor revient boitillant à 2-1 pour les français et demande l'appel du kiné. Du coup pause dans le match avec le titre éponyme 6.Alésia qui essaye d'instaurer un son lourd qui fait les yeux doux à Midnight Juggernauts voire Justice. Excès de synthés...

     Malheureusement le tournant du match, Victor est touché physiquement et Pierre a de plus en plus de mal à se concentrer sur son jeu depuis qu'il a croisé le regard d'une brune vaporeuse qui pianote sur son smart phone et ne daigne presque pas regarder le match. Du coup Victor est trop court et Pierre en fait trop.... Ils se prennent quatre jeux blancs et perdent le premier set 6-1. 7.Ariane, 8.Les hommes et les femmes, 9.TGV et 10.Aquarium brillent par la simplicité caricaturale des arrangements et des paroles... affligeantes. Début du deuxième set, la brune a quitté les tribunes et Pierre joue plus intelligemment - 11.Empire, morceau sombre et plus mesuré. 1-0 pour les français dans le deuxième set quand le ciel noir explose et les grosses gouttes se mettent à tomber...   Pierre et Victor se réveillent soudainement en sentant leurs housses commencer à se mouiller, encore un de ces foutus cauchemars où ils prennent une décullotée à Rolland Garros. Il est temps de repartir à l'entraînement dans l'innocence totale. S'il vous plaît ne leur dites jamais que cette taule n'était pas un cauchemar car ils sont bien sympathiques. Laissons les s'entrainer et s'améliorer de nouveau car là franchement ils se sont bien ratés... En hommage aux paroles sompteuses de 10.Aquarium "J'ai oublié tout ce qui s'est passé, je me suis démaquillé", je vais aller me démaquiller en espérant vite oublier que j'ai perdu mon argent en achetant cet album à la pochette douteuse, qui plus est....

Morceaux préférés:          2.Roman

                                       1.Human Nature

Note    4  .   5     /     10

Sylphe

Retour cette semaine sur du son qui hante nos oreilles depuis maintenant 5 ans. Je me rappelle de ce jour où j’ai découvert les premières images de Dexter, accompagnées de sa bande-son : une sorte de choc visuel et sonore.

Sous le soleil de Miami ou dans sa nuit moite et inquiétante, il y a toujours une mélodie appropriée pour accompagner le plus attachant des serial-killers.

Tout comme l’existence de Dexter Morgan, la bande-son de la série se partage en deux domaines.

Lorsque Dexter Morgan est un brillant expert de la police scientifique, frère attaché à sa frangine, en recherche d’une hypothétique petite amie, Miami se pare de ses sonorités cubaines : Conoci la paz, Flores para ti ou Con mi guaganco. Ambiance bossa, son, salsa. Le soleil brille sur les taches de sang que Dexter analyse, Vince Masuka (son collègue) sort des blagues de cul, les burritos sont servis accompagnés d’un mojito. Les corps sont esthétiques et sensuels, drapés dans la douceur des guitares et des cuivres. Tous ces morceaux sont l’oeuvre des Others compositeurs.

Mais Dexter est aussi Dexter, serial-killer inquiétant et implacable, qui a toutefois le bon goût de ne s’attaquer qu’à des victimes elle-mêmes coupables. Une sorte d’Inspecteur Harry poussé à l’extrême et qui, disons le, fout quand même bien les pétoches. Entre alors en scène Daniel Licht. Compositeur assez méconnu du grand public, il a essentiellement oeuvré pour des soundtracks de films passés un peu inaperçus. Jusqu’à ce qu’il se lance dans l’aventure Dexter.

Ce garçon a réussi une prouesse : retranscrire en sons le côté flippant de Dexter, mais aussi ses doutes, son désespoir, ses peurs. A l’arrière des mélodies traînent de multiples bruitages de cymbales, crécelles, cordes frottées. Et des bruits de lames. Ces même lames que Dexter plante dans ses victimes, celles avec lesquelles il tranche les chairs. Touts les morceaux de Licht sont brillants, sans exception : Shipyard, Voodoo jailtime ou Blood Theme sont trois petites merveilles. Les autres titres ne sont pas en reste : lorsque Dexter ne tue pas, il s’interroge, se cherche, dans une sorte d’apesanteur. Une réflexion aérienne presque hors du temps qui transpire dans I can’t kill, New legs, Photo albums ou Courting the night. J’arrête là. Je pourrais recopier toute la tracklist.

Tout est dit. Il n’y a plus qu’à (re)visionner les différentes saisons de Dexter en ouvrant grand ses oreilles, ou encore à se procurer les 4 CD. Je ne vous ai parlé ici que du premier, les 3 suivants sont au moins aussi parfaits. Des soundtracks qui ne sont rien d’autre que la déclinaison sonore d’une des meilleures séries de l’histoire de la TV.

Raf Against The Machine

                Toujours en quête de ma jeunesse perdue, à moins que ce ne soit pour combler mon oisiveté naissante, j'ai choisi de m'attaquer à une question majeure : qu'est-ce qui, dans mon adolescence, a bien pu me conduire à écouter Oasis avec autant d'acharnement ? Même si j'ai toujours été, et suis encore, pro Blur, j'admets aisément que l'année de la soi-disant "guerre" qui a opposé les deux groupes, l'ami Damon et ses camarades ont proposé leur plus mauvais album à ce jour (SEE WHAT I DID THERE ?!). Et pourtant, l'acclamé deuxième disque des Mancuniens correspond pour moi au début du déclin d'Oasis. J'ai donc réécouté pour vous et avec la plus grande attention "Definitely Maybe", pour voir si l'œuvre avait su résister au passage du temps, mais aussi "(What's the Story) Morning Glory", pour voir si je trouvais ça toujours aussi bof/bidon ou bien.

                "Definitely Maybe", c'est quoi ? Un mur de guitares un peu sales, une voix jeune et décidée, une batterie un peu métallique qui donne l'impression d'avoir été enregistrée dans des cabinets, des paroles qui ne volent pas bien haut, mais que je ne comprenais pas à l'époque et qu'on pardonne sans peine à un groupe tout jeune qu'on découvre. Aujourd'hui, si je comprends enfin ce qu'ils racontent, leurs élucubrations me font globalement sourire ; j'y vois un gang de jeunes pas très inspirés qui trouvent par hasard deux mots qui sonnent bien ensemble et qui cherchent à broder autour. Parce que je veux dire, "Slide Away", quoi, les gars. Et puis les mélodies sont là, elles s'accrochent, elles virevoltent, elles te collent une beigne en gesticulant, mais tu es bien obligé de t'avouer vaincu et d'écouter l'album jusqu'au bout. L'Oasis de l'époque avait le talent de me faire découvrir une musique qui me semblait nouvelle, du haut de mes 14 ans, et de rappeler à mon père les plus belles heures de sa jeunesse. C'était un pont de belle facture entre deux générations musicales, et pour ça, ils méritent le plus grand des respects.

                Mais pour "(What's the Story) Morning Glory", alors, qu'est-ce qu'ils méritent au juste ? Parce que quand même, soudain, c'est le drame. À mesure que les guitares s'éclaircissent, la voix se fait plus rocailleuse et les pistes se démultiplient. À bien y réfléchir aujourd'hui, je crois bien qu'autant sur cet album que le suivant, j'ai eu l'impression de voir un groupe péter plus haut que son cul et y prendre plaisir, vu que de toute façon on leur signait des chèques quasi les yeux fermés. Mais malheureusement, un riff bidon reste un riff bidon, qu'il soit joué par une, deux ou quinze guitares (n'est-ce pas, "Hey Now" ?), et les velléités de chanteur de Noel Gallagher font un peu peine à entendre quand la voix attitrée du groupe est aussi reconnaissable et charismatique que celle de son frère (sur disque en tout cas ; en live, c'est une autre histoire). Après, il a choisi de se lancer sur une power-ballad affligeante qui pompe allègrement John Lennon, donc je m'en remettrai et je ne m'attarderai pas plus longtemps sur "Don't Look Back in Anger", tout a déjà été rabâché mille fois à ce sujet. Alors oui, même avec le recul, je trouve ces chansons toujours un cran en-dessous de celles de leur premier album, et le fait d'avoir écouté les deux disques dans la foulée l'un de l'autre n'a certainement pas joué en la faveur du second.

                Au final, la différence vient aussi de ce qu'on peut trouver l'arrogance touchante quand elle vient d'un groupe de jeunes gens plutôt talentueux et bien décidés à conquérir le monde, et fatigante quand elle va de pair avec un manque d'inspiration. C'est très joli d'avoir de la morgue, à condition d'avoir de quoi la soutenir. Mais encore une fois, le principal propos d'Oasis tenait dans sa quête de gloire et de reconnaissance, ce qui signifie qu'une fois leur objectif atteint, ils se sont vus dans l'obligation de se réinventer. Et ça, niveau écurie à Augias et tout, ça se pose là, quoi. Finalement, la plus belle preuve de leur échec se retrouve dans le morceau d'ouverture de "(What's the Story) Morning Glory", "Hello", les trois minutes les plus barbantes, peu inspirées et premier degré de l'album. "It's good to be back" ? Pour vous peut-être, hein, mais moi je m'ennuie un peu. Vais plutôt aller me refaire un petit "Live Forever", tiens.

Suzy C.